Alighiero Boetti,

“Estrategia de juego”

Museo Reina Sofía.

5 de octubre de 2011 - 5 de febrero de 2012.

UN ARTISTA QUE SE CANSÒ DE TANTO JUGAR

El museo Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con la Tate Modern Art de Londres y el Moma de Nueva York, muestra al publico la obra de Alighiero Boetti, artista italiano que comienza su carrera artística en el arte povera, del cual se desvinculará pocos años después, este cambio se refleja en su obra y en la exposición podremos observarlo.

El artista trabaja con diversos materiales, desde tinta hasta tela para crear una obra fuera de lo común, de mucho colorido, formas y texturas diversas, que podemos ir apreciando a lo largo de la muestra, se tiene la sensación de estar en una exposición de varios artistas y no de uno solo ya que la temática los materiales etc. cambian de una sala a otra, son obras espontaneas donde el autor juega con lo casual, juega también con el tiempo, como en la serie de relojes de pulsera parados en diferentes horas, aunque también para el artista es importante precisamente eso el juego, vemos esa idea en la mesa de ajedrez o en el panel luminoso donde leemos alternativamente pin pon. El azar es otro punto importante para el autor, la caja con la bombilla que se enciende 11 segundos, un día cualquiera del año.

Reutiliza los objetos y los convierte en arte, creando incluso un nuevo término, el arte postal que encuadra toda la muestra de postales y sobres con sellos, que además nos ayudan a saber un poco mejor la relación que tenia con otros artistas coetáneos a él.

La sala de los mapas es el eje de la exposición, esta obra está considerada por los expertos como una de las obras claves de Boetti y una de las mas conocidas o llamativas del artista, en colaboración con unos artesanos de Afganistán y Pakistán tejió las banderas de cada país en su correspondiente zona del mapamundi. Según la comisaria de la exposición, que hace un comentario de la obra del artista en un video explicativo colgado en la web del museo, no se trata de una obra de carácter político pero en mi opinión yo si lo considero así, quizá también por el hecho del título de la exposición Estrategia de Juego. Si, se puede referir al hecho de que el autor juega con el tiempo y la dualidad, pero llegados a la sala de los mapas da la sensación de que la estrategia de juego es en realidad con los diferentes territorios, como si se tratara de un juego de conquistas o de guerra.

Las letras y las palabras desordenadas también están muy presentes en su obra, otra vez observamos la idea de azar, o el pintar con un bolígrafo cuadros en blanco y negro, como si fueran realizados por el propio azar o como si se trataran de un crucigrama o tablero de ajedrez también representado en otra obra suya esta vez a modo de escultura.

La exposición es amena en cuanto a la variedad de materiales que muestra, pero no es unitaria, son muchos los temas y mensajes que quiere dar el autor, la mayoría de carácter filosófico lo que hace más difícil la comprensión de la obra, lo que provoca una falta de aceptación en el público.

Que pérdida de tiempo, suena mal la expresión pero es que es la sensación que tuve cuando salí del museo, demasiados objetos sin conexión aparente, aunque predomine el juego del azar en la exposición, pienso que hasta el artista mismo se canso de tanto jugar.

Aroa Gonzalez Polo

Teorias Artisticas Contemporaneas

LA ABSTRACCIÓN EN LA REALIDAD
José Manuel Ballester
Sala Alcalá 31, Madrid.

Soledad, tranquilidad y sobre todo inquietud, son algunas de las muchas sensaciones que se van apoderando de uno mismo cuando recorre la exposición de José Manuel Ballester.

Bajo el nombre La Abstracción en la Realidad la sala de exposiciones Alcalá 31, nos ofrece una selección de fotografías realizadas en los últimos años por este excepcional artista, que nos quiere demostrar con su obra que lo abstracto y lo figurativo van de la mano, nos presenta una serie de espacios fotografiados donde la huella humana queda patente a través de la arquitectura pero que físicamente en las fotografías no aparece, nos muestra espacios cotidianos que son transitados normalmente por un gran número de gente, pero que esta vez se presentan ante nosotros en su forma más pura, donde podemos pararnos y analizar por completo la arquitectura, podemos observar sus formas y colores sin ningún elemento intermedio que nos lo impida.

Siempre tendemos a intentar reconocer o darle una interpretación a la imagen que nos es expuesta, por tanto cuando vemos solo formas geométricas o colores en un lienzo o fotografía solemos rechazarlo o no llegar admirarlo, no tenemos la idea de solo disfrutar de la imagen, de su color y de su luz, eso hace que la mayoría de veces el arte abstracto no guste a una inmensa mayoría, en la cual me incluyo, pero debo reconocer que la exposición de José Ballester me ha llamado mucho la atención, ha conseguido que por unos instantes haya olvidado el trasiego de gente y coches de la calle Alcalá y ha conseguido demostrarme que dentro de algo figurativo también se puede hallar la abstracción.

Además recorriendo la exposición me ha venido a la mente la imagen de la Gran Vía totalmente desierta en la película Abre los Ojos, dirigida por Alejandro Amenábar en 1997.

Son imágenes cotidianas , espacios cotidianos que habitualmente obviamos y no sabemos apreciar, nuestros ojos y nuestras mentes se han acostumbrado a ese estrés cotidiano, que nos hace ir deprisa y corriendo a todos los sitios y que no nos permite fijarnos en lo que tenemos a nuestro alrededor, pasamos con la mirada al frente mirando pero sin ver nada, y en todas las ocasiones seguro que estamos ante cosas o momentos extraordinarios y no recaemos en ellos.

José Manuel Ballester con su exposición, nos muestra esos espacios cotidianos que siempre obviamos y que no sabemos apreciar, nos muestra los colores y formas más puras de la arquitectura y de los espacios comunes, un paseo de luz, forma y color en el corazón de Madrid.

Aroa Gonzalez Polo

Teorias Artisticas Contemporaneas

Maja Bajevic

Continuará

Palacio de cristal del Buen Retiro

27 mayo al 3 de octubre del 2011

Maja Bajevic, nos presenta una performance en el palacio de cristal del Buen Retiro.

La obra la componen mas de cien eslóganes de carácter político, que quedan reflejados en los cristales del palacio, escritos en papel donde el visitante puede elegir cuales quiere leer, puede incluso escucharlos a través de unos cantantes que los entonan o los pueden ver representados en nubes de vapor, pero este hecho solo ocurre cuando la exposición queda cerrada al público.

Además la performance añade una estructura bastante inestable donde se invita al público a subir y divisar una serie de videos titulados por la autora “wende” según he leído significa en alemán giro y fue una expresión utilizada en la caída del muro de Berlín, por tanto queda reflejado otro hecho político social que la autora quiere resaltar, después de divisar los videos la artista te invita a lanzarte por un tobogán.

Pero ¿porque tantos mensajes socio políticos que resumen la historia de todo un siglo?

Cada eslogan individualmente representa un hecho, un cambio social o político, pero todos unidos nos hacen pensar en la fugacidad del tiempo, en como en poco tiempo todo puede cambiar, al igual que el vapor o los escritos en los cristales, una vez que los limpias lo que hay escrito desaparece, o como el tobogán de la exposición estas atento a todo lo que estas viendo hasta que te subes a esa estructura y te tiras por el tobogán, el miedo a la altura, a que la estructura se vaya a desplomar o la simple vergüenza de que todo el mundo te vea te hacen olvidar todo lo que has visto hasta ese momento.

Tengo que reconocer que lo explicado anteriormente es lo que la artista nos quiere hacer ver, yo he llegado a entender que la performance tenía más o menos ese significado pero no he llegado a entenderla del todo, he tenido que leer una entrevista a la autora para conseguir entender del todo lo que nos quería enseñar en el palacio de cristal.

Quizá sea la falta de costumbre ya que nunca había acudido a una performance, pero la verdad es que el mensaje si no lo lees explicado, a mí por lo menos, no me quedaba muy claro. Tengo que reconocer que aunque no me haya enterado muy bien del mensaje sí que me ha gustado asistir a la performance, ya que la sensación de poder interactuar con lo expuesto en la sala me ha parecido una idea buena, es otra forma de hacer llegar los mensajes de la obra de arte a todo tipo de público de una forma más amena que la presentada en los museos convencionales, donde solo puedes observar la obra en vez de interactuar con ella o sentirte parte de la misma. Una apuesta del arte contemporáneo que veo muy favorable.

En conclusión, a pesar de no haber entendido por completo lo expuesto por la autora, ahora analizando todo lo que había visto allí y lo que ella nos quería transmitir tengo que añadir que estoy de acuerdo con ella, reuniendo todos los eslóganes políticos y sociales de todo un siglo podemos llegar a ver todos los cambios que se dan en la sociedad y como de fugaz es una idea, ahora siempre será mejor dejar nuestros pensamientos por escrito aunque solo duren lo que el vapor de agua nos permita escribir en un cristal, ya que las palabras vuelan pero los escritos permanecen “verba volant, scripta manent”

Aroa González Polo

Teorías artísticas contemporáneas

Palabra y Arte

Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel

Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Fechas: 26 de octubre - 27 de febrero

Para ser capaces de conocer cuál es el propósito de la exposición Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, es aconsejable documentarse previamente a la visita sobre la trayectoria profesional del escritor francés –poeta, novelista y dramaturgo-, uno de los más singulares de los surrealistas que desarrolló nuevos paradigmas de gran influjo. Su obra se caracterizó por encerrar un universo de imaginación que huía de la realidad, basado en una impermeabilidad de todo aquello que no fuera la cultura oficial. Es aconsejable un acercamiento previo, ya que la exposición no se limita simplemente en embellecer la vista del espectador, va más allá. Evoca a la reflexión sobre la influencia que ejerció de forma concluyente, la literatura que llevó a cabo Roussel sobre las personalidades más brillantes del arte. Es decir, lo que trata de trasmitir esta muestra es cuánto puede influir en el arte un poeta a través de una literatura de mundos ilusorios, estableciendo una relación compleja entre texto e imagen, entre palabra y arte.

Se trata de la primera exposición en España que guarda referencia a la personalidad y al legado de Raymond Roussel, cuyas obras más importantes fueron Impresiones de África y Locus Solus, de donde toma el nombre ésta selección de trabajos en distintos formatos – esculturas, pinturas, fotografías, vídeos, libros e incluso documentos originales- de una treintena de artistas influidos por el escritor, como Marcel Duchamp, Salvador Dalí, Man Ray, Francis Picabia, Allen Ruppersberg o Max Ernst.

Una de las cartelas indica como en sus obras adquiría mayor importancia lo ficticio frente a lo real. Defendía que la obra artística literaria no necesita contener nada real, solo una combinación de objetos imaginarios. Estas eran las mismas ideas que caracterizaban las obras de los surrealistas, que encontraron en su literatura la esencia en la que basar sus trabajos.

Duchamp y Dalí, dos de los más influidos por Roussel, eran a la vez tan diferentes el uno del otro, pues eran sin duda la noche y el día. Siendo posiblemente este literato el único gran punto en común que pudieron encontrar ambos artistas.

En la sala de Duchamp, junto al Molinillo de café (1911) se encuentra el diorama Étant donnés, que debe ser visto por medio de un agujero perforado en una puerta de madera, obligando a que un único espectador mire a través de una de las lentes. Este dispositivo alude al poema La Vue, de 1904, una descripción exhaustiva de un paisaje en miniatura, inscrito en una bola de cristal.

De Salvador Dalí destacan las películas con las que homenajeó a Roussel, Impresiones de la Alta Mongolia y Babaouo.

La peculiaridad de esta exposición no sólo se encuentra en la dificultad que conlleva exponer obras que trascienden de la mera figuración, ya que de lo que se trata es de que la visita sirva para comprender los lazos de unión entre estas mentes extraordinarias. La tarea, como he señalado desde un principio, no es sencilla.

Ágata Soto Salafranca.

“Jaque mate”
Exposició : Alghiero Boetti “Estrategia de juego”
Ubicació: Museu Nacional Centre d’art Reian Sofia

“Estrategia de juego” es el nom que rep la retrospectiva de l’artista Alghiero Boetti. Aquesta rep acollida en el Museu i centre d’art Reina Sofia de Madrid. El Moma de Nova York i la Tate Modern de Londres han ajudat a que aquesta exposició fos possible.
Boetti a principi dels anys 60 va formar part de “ el arte poveda” juntament amb altres artistes com Giovani Anselmo, Luciano Fabro, Giuseppe Penone, entre d’altres. Aquest tipus d’art es caracteritzava per la utilització de materials que es troben a l’abast de tothom, com la fusta, el fang, les fulles etc per a la realització de les seves obres. Tos i mostrar uns inicis vinculats a aquesta art “poveda” ràpidament es desentendrà d’aquest.
La retrospectiva que ofereix MNCARS recull algunes de les obres més característiques de l’artista, com son els tapissos dels països que va fer amb la col•laboració d’artesans dels Pakistan i l’Afganistan. M’atreviria a dir que es la única part de l’exposició que val la pena veure, potser sota una visió historicista manca de significat y només podríem extreure sobre aquestes peces un valor estètic i d’elogi al treball. La sala que recull aquets mapes si la comparem amb els altres espais anteriors, inicialment ens resulta oxigenadora, però arriba un moment que la mono temàtica mostrada, torna a provocar-nos la mateixa angoixa que ens ha perseguit durant tot el recorregut per la seva creació.
Seguidament trobem el conjunt de tapissos que rebent el nom de “Ordine e Disordine” una sèrie de tapissos dividits en quadricules emulant a les sopes de lletres amb cal•ligrafia llatina i àrab, aquestes no segueixen l’ordre de l’abecedari sinó que son col•locades a l’atzar, fent honor al títol que rep el conjunt.
Es aquí on podem veure el dualisme del Boetti i la trajectòria dispersa que va dur a terme. Podem veure aquets inicis d’art pobre en la elaboració dels jocs, en els cartells que transmeten missatges polítics etc.. queden a un segon pla amb el el conjunt de “Mapes” y “Ordine e Disordine”

El concepte de l’atzar esta molt present en tota l’obra de Boetti, podríem dir que la seva obra uneix rigor conceptual i vocació experimental amb l’atzar i la casualitat per la que l’artista es deixa portar.
A mida que avançava per aquestes sales d’exposicions temporals del museu tractava de interpretar totes aquelles obres, les observava minuciosament per intentar extreure’n la intenció que l’artista volia transmetre. Aquesta practica va ser quasi impossible i es llavors quan vaig decidir deixar-me emportar pel gust estètic que emergien alguna d’aquelles obres.

Alighiero Boetti. Estrategia de juego

Alighiero Boetti. Estrategia de juego

Fechas: 5 de octubre de 2011 - 5 de febrero de 2012
Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía


En colaboración con la Tate Modern y el MoMA de Nueva York, el MNCARS - bajo la comisaría de Lynne Cooke, Mark Godfrey y Christian Rattemeyer - muestra la mayor recapitulación de obras que se ha hecho hasta ahora sobre Alighiero Boetti.

Tras un largo período de estudio y documentación, los comisarios, han realizado una cuidada selección, prestando especial atención a mostrar al artista como una de las figuras más fascinantes e influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Reúne de manera muy exhaustiva más de un centenar de piezas de todas las etapas de su trayectoria artística, desde los años sesenta hasta 1994, año de su muerte. Se exponen algunas de sus primeras obras, cercanas aún al arte povera – un ejemplo de ello es Lampada annuale, una caja de madera con una bombilla que se enciende durante once segundos al azar cada año - , así como otros proyectos fundamentales en la evolución de su propuesta discursiva, como la serie Aerei (1978-1989), paneles de grandes dimensiones pintados a bolígrafo o acuarela con numerosos aviones de distintos tamaños.

Al pasar de una sala a otra, da la impresión de que el espectador se encuentra ante una exposición colectiva, no de un mismo artista. Esto es consecuencia de que no existe una lógica formal ni causal en las obras, cada una tiene algo de especial, de exclusivo y particular, que hace que sea muy difícil encuadrarlas en categorías cerradas.

Vinculado en sus inicios al arte povera, movimiento del que se separaría rápido, se caracteriza sobre todo por ser inclasificable, explorando distintos modos y grados de actividad colaborativa. En sus piezas, donde permite que azar y casualidad interfieran, destacan conceptos clave como multiplicidad, dualidad o desdoblamiento - a partir de 1972 decide firmar sus proyectos como Alighiero e Boetti, creando un alter ego -, buscando un equilibrio entre lo intelectual y lo sensible, entre orden y desorden, entre individualidad y colectividad, consigue mezclar el rigor conceptual con un sentido lúdico e instructivo, concibiendo al espectador como partícipe, como un compañero de juego. El propio título de la exposición, Estrategia de juego, responde al hecho de que el juego y el azar están en el centro de la personalidad de este artista y se manifiestan en toda su obra.

Es interesante, que en la selección de bordados y tapices que llevó a cabo en colaboración con artesanos de Afganistán y Pakistán, como Mappa (1971-1994), el artista concibió la idea y eligió las formas, pero dejó en otras manos su realización material y así como ciertas decisiones claves para su composición final. Es en éstas obras donde comienza a introducir variantes casuales, que son las que otorgan ese carácter lúdico a sus piezas.

También son destacables las postales y correspondencias en colaboración con artistas y conocidos, introduciendo motivos icónicos que se repetían. Boetti repite motivos icónicos constantemente, ya sean aviones, banderas, pegatinas, palabras… al igual que otros artistas conceptuales, pop o minimal de la época. Lo que le diferencia es esa dificultad que nos sugiere catalogar o etiquetar su obra, así como su apariencia espontánea.


Ágata Soto Salafranca

VOLVEREMOS A TENER CLASE A PARTIR DEL LUNES 28.
Fernando Castro.